–¿Qué existe antes de la mirada, Yoshi?

–El blanco espesor del misterio.

–Es desde allí donde tu obra nos habla.

–Y se hace a sí misma.

La finitud de una mirada que aspira a lo eterno nos abre un compás de interrogantes acompañadas por el sol del mediodía, como espacio sintiente para elaborar un diálogo, una experiencia, desde donde otros puedan leerse, para The Wynwood Times.

Tal vez se haya vuelto un lugar de enunciación común ir al origen, a la historia, a ese día inicial donde todo comenzó. Entonces, sin ánimo de pleitesía con esos lugares y clichés, ¿qué  acontecimiento marcó tu inicio como artista? 

El haber sobrevivido a una enfermedad y, tras esto, darme cuenta que no estaba haciendo las cosas que anhelaba para mi vida. Me encontré, de repente, física y anímicamente golpeado, además de estar muy frustrado profesionalmente. Desde niño había deseado ser artista, durante varios años, entre la niñez y la adolescencia, estuve aprendiendo en los distintos talleres de formación que ofrecían el Museo de Bellas Artes y la Galería de Arte Nacional; muy a menudo fantaseaba con la idea de convertirme en dibujante, sin embargo, mi familia se había encargado de sepultar ese sueño porque «me iba a morir de hambre». Resulta que estuve a punto de morirme igual, pero sin haber experimentado qué se sentiría vivir ese sueño y darle forma en el mundo real. Dejé el trabajo que estaba realizando como operario de diseño gráfico y me lancé a la aventura de desplegar mis ideas de otra forma: Un año después estaba participando en un primer proyecto colectivo en el MBA.

La memoria y la infancia

Ese salto inicial, ¿tiene algún recuerdo de la infancia, alguna persona influenciadora que haya marcado tu ruta, lejos de esos intentos de castración?

Tengo muchos recuerdos de mi abuela cosiendo piezas a partir de retazos de telas y cocinando, esto quizás es lo primero que recuerdo de unas «manos haciendo» que, por cierto, admiraba, pero lamentablemente nunca aprendí nada de esos oficios de ella. Tal vez lo primero haya sido una revista, de esos magazines de hogar,  que traía un encarte de un zoológico en origami; sólo la idea de poder crear mis propios «juguetes» a partir de plegados en el papel representó un primer amor instantáneo con el arte. Más adelante pude participar de una serie de talleres con Maryelis Mujica, Olga López, Hildemary Vizcaya y Thamara Domínguez, entre otros, en los espacios de la GAN y el MBA. Varios de estos talleres eran para adultos y tuve el chance de compartir con gente de unas edades muy diversas que me señalaban y recomendaban exposiciones en la ciudad y artistas para revisar. El hecho también de pasar tanto tiempo en esas instituciones me llevaba a visitar las distintas exposiciones con mucha frecuencia y a relacionarme de manera más familiar (tal vez) con el compendio de artistas que hoy forma parte de nuestro acervo cultural. De esos años recuerdo con mucha vividez las muestras de Julio Pacheco Rivas en el MBA y Mercedes Pardo en la GAN. 

Partiendo de esas memorias que hoy día son carne psíquica y existencial, ¿qué imágenes te convocan al momento de crear y cómo es ese proceso? 

La posibilidad de «dibujar» a partir de plegados y construir un imaginario corpóreo de diversas ideas. Jugar con la posibilidad de realizar «criaturas», capaces de establecer vínculos con el espectador y con el espacio, creando atmósferas desde lo sensorial y lo emocional. El proceso pasa, como todo, por la idea. Suelo ver de manera muy física mis proyectos, así que antes de empezar a trabajar una pieza ya sé cómo se verá, pero eso no me exentúa de realizar pruebas, dibujos y bocetos, centenares de estos de hecho. Suelo quejarme de mí mismo por sentirme extremadamente desordenado en comparación con lo que me gustaría, entonces, estos procesos suelen dejar un montón de notas, borradores y maquetas regadas en todo el taller.

Atravesar esas notas, borradores y maquetas, me lleva de un lugar sagrado a uno lúdico: a la entraña misma de la psique creativa del artista, donde el des-orden es la invención de un cosmos de posibilidades múltiples. Me desplazo allí, con placentera desenvoltura, en torno al talante vital que representan obra y artista.

Yoshi, ¿cómo ha sido tu experiencia formativa y qué impronta ha dejado en ti? Hablemos ahora de cómo ese impulso primero se hizo arte.

En términos académicos formales, desigual. Como comenté antes, tuve el chance de formarme en temas técnicos en el MBA y la GAN, pero, en cuanto a historia, teoría estética y referentes, me he formado a mi mismo a través de la lectura, tanto física como online y la inversión consecuente cada vez que he viajado a conocer tantos museos, instituciones y coleccciones como el presupuesto lo permita. El poder elegir cómo formarme me ha dado el chance de generar un cuadro general de referentes muy diverso, aunque, tal vez también, me ha hiperespecializado en un tema único.

Influencias

¿Qué temas te inquietan desde lo visual? ¿Cuál es la trama simbólica de tu imaginario estético?

El cuerpo, las distintas ideas y nociones que construyen el imaginario de este; sus características, territorios, límites, relaciones y espacios. Los aspectos que llevan a construir la idea de «identidad», como esta se manifiesta de lo interno hacia afuera y se refleja de afuera hacia adentro. Las confrontaciones entre conceptos diametralmente opuestos como: «orden / caos», «realidad / apariencia», la posibilidad de generar una duda en el espectador acerca de la naturaleza de lo que está presenciando.

Fiel a esa naturaleza de contacto, ¿qué maestros, tendencias y estéticas te han influenciado, alimentado esa vena de conceptos en franco diálogo de polaridades?

Evidentemente, hay una relación directa dada por lo que representaron las grandes instituciones del arte hasta finales de los 1900’s, con un gran número de los maestros que hicieron vida y escuela en Venezuela desde mediados del siglo pasado, de los cuales puedo nombrarte los que me vienen a la mente primero: Gego, Jesús Soto, Alejandro Otero, Mercedes Pardo, Nedo, Juan Félix Sánchez, Armando Reverón; también el trabajo de artistas que todavía están produciendo como Julio Pacheco Rivas, María Elisa Pifano, Vicente Antonorsi e Isabel Cisneros. Entre los maestros internacionales podría citarte desde Katsushita Hokusai, Van Gogh, Víctor Vasarelly, Piet Mondrian, Isamu Noguchi, Buckminster Fuller, Alexander Calder, Yayoi Kusama a Ollafur Eliason. Estoy profundamente influenciado por la corriente estética japonesa Wabi Sabi, que versa sobre la belleza de lo imperfecto y en la que se insta al practicante a expresar las cosas que le mueven del mundo a través del arte que le sirve de soporte. Con esa idea me apropié de la base técnica del origami para poder «dibujar» diversos vistazos de ese mundo en mis papeles. Igual forman parte de mi imaginario y referentes, las nociones de arquitectura sacra, asi como las grandes obras y representantes de la arquitectura universal como los complejos de arquitectura musulmana de Andalucía, o los edificios de Gaudí, Van Der Rohe, Le Corbusier, Gehry y Calatraba, entre otros muchos

El papel del papel

¿Por qué te decantas por el papel? ¿Qué te atrae, seduce, afiebra del papel?

Por una facilidad específica: lo conozco muy bien como material, pero más importante, porque el papel es capaz, todavía, de muchas cosas: es soporte y es protagonista en primer plano; literal y metafóricamente «lo aguanta todo», soporta llevar en sí historias de grandes triunfos y grandes derrotas de la humanidad como también, ser imagen o cuerpo. Puede tornar en obra pero, por otro lado, también puede ser contenedor y dar cobijo y albergue. Es un material de posibilidades infinitas y eso ya me enamora; frecuentemente lo comparo con la idea de una «lengua madre», porque mi relación ha sido asÍ de íntima. Incluso en los procesos con otros materiales, el papel juega un rol primordial: asienta los estudios, da forma a los bocetos, soporta la deconstrucción, la reconstrucción, el corregir errores, añadir experiencias y el reelaborar desde distintas aproximaciones y perspectivas, los procesos previos a concretarse en esas otras materias.

-¿Sucede igual con tu vida personal?

-A veces sí, otras no. Como la obra misma…

-Va haciéndose.

-Sí, es devenir. Es un proceso muy personal, íntimo.

-Sagrado.

-Y obsceno.

Tomemos como referente esas imágenes para saber, y sentir, ¿el papel es una metáfora y lugar de enunciación para decir, sentir, accionar, qué procesos y cómo? 

En este momento y, a propósito de la muestra «Matrices y concreciones», puedo verlo como el principio creador y materializador de un sinnúmero de posibilidades en el futuro, de cuerpos que puedan ser de acero o concreto, pero que han nacido de una idea manifiesta en un material noble que a menudo menospreciamos como «plano», «frágil» y «débil» y que, literalmente, podría golpear y arrastrar a cualquier desprevenido. Veo el papel como lo que significa: una materia, un documento, un personaje, un cargo, una posibilidad.

¿Cómo es el rol del artista visual en el actual panorama venezolano? Hablemos de ese rol como responsabilidad para darnos cuenta del devenir, aquí y ahora.

El primero y principal, el mismo que todos los demás profesionales en este momento: seguir trabajando, aunque parezca imposible en muchas ocasiones. En la misma sintonía y, para entender que esta es una situación que nos llama a todos, deberíamos ser canales capaces de tender puentes, conectar a los distintos miembros de la sociedad que conocemos, en un tejido que parta de la solidaridad y el diálogo como vehículos para acercar y unir. También, y en lo posible, ser multiplicadores de la idea del arte como medio capaz de despertar la sensibilidad del ciudadano en la certeza de construir un espacio mejor para todos.

El espacio que partió siendo un recinto sagrado, devino en lúdica psique, se transforma en conversación de fondo sobre horizontes, necesidades, íntima ondura desde donde visualizamos al país, los ciudadanos, el papel del arte…

Sin ánimo de sentirnos oráculos ni chamanes del buen juicio, ¿pueden las artes visuales ser un faro de la conciencia en horas críticas para la República y la civilidad? 

Esto se supone el deber ser del arte, en todo momento, el poder ser un interlocutor de su tiempo, pero en estos momentos el primer reto sería ¿cómo permitir que se vea la luz de ese faro? El otro indudablemente es ¿cuál es la energía que alimenta dicha luz? En medio de esta situación, tanto en el panorama mundial como en el local, se espera mucho de los artistas, Y también cabría preguntar, ¿Qué esperan y necesitan los creadores para poder seguir llevando adelante sus vidas y, con ellas, la posibilidad de continuar creando en medio de un panorama en el que, como la mayoría, nos sentimos muy desprotegidos? Muchos de los artistas con quienes tengo trato  coinciden en la misma preocupación: ¿cómo seguir adelante? Todos quienes hacemos vida dentro del universo de las artes presenciales (como la danza, la música, el teatro y artes visuales) nos hemos visto cercenados de nuestros territorios conocidos por un año ya, eso genera también una serie de problemas para quienes desean seguir haciendo, pero no cuentan con las posibilidades y entre desarrollar obras y atender las responsabilidades del «mundo real», se ven forzados a lo segundo en detrimento de lo primero. Ver a los artistas como «instrumentos para iluminar» pasa también por reconocer sus vidas en medio de toda esta realidad.

Demos ahora un giro más adentro. ¿Quién es Yoshi en primera persona y qué trama se teje dentro de sí mismo?

Soy una persona que aún está aprendiendo tanto del oficio que desarrolla como de la vida como tal. Sigo en proceso de soltarme en diversos territorios, tanto en lo profesional como lo personal: he venido desarrollando un diálogo muy cercano con varias personas que ha dado lugar a colaboraciones muy interesantes, también he estado conociendo como lidiar mejor con los ámbitos y obligaciones que antes me generaban mucho estrés y aprensión, como el hecho de empezar responder entrevistas o, simplemente, dejarme tomar un foto. Estos últimos cinco años, además, me han permitido un proceso de apertura y diálogo con otros circulos profesionales del arte que me tienen muy motivado y proactivo. He tenido el chance de entablar procesos continuos con Lorena González y Leonardo Nieves que ya han resultado en un par de exposiciones muy enriquecedoras y satisfactorias; he compartido tiempo y espacio de trabajo con Isabel Cisneros, Malu Valerio, Manuel Eduardo González y Jonathan Lara, experiencia que nos ha permitido articularnos y apoyarnos en distintas etapas de proceso a lo largo de varios proyectos. En estos momentos he estado trabajando en el desarrollo de nuevas series y cuerpos de obra y, en paralelo, meditando y repensando el proceso como gestor cultural que había venido desarrollando en años anteriores.

PapelArteFacto

Partiendo de ese rol como gestor cultural, ¿qué es y qué ofrece Papelartefacto?

¡Es mi taller y, dicen, ofrece un café delicioso, jajaja! Es un proyecto que dirijo en compañía de Luis Silva Urbina, quien ha venido gerenciando el espacio desde principios de 2018 y ha sido mi mayor apoyo para poder organizar, abrir y darle al espacio la cara pública que tiene hoy en día. PapelArteFacto es un juego de palabras que habla acerca de la materia, el concepto, el arte y el hacer. Es un sitio que está conmigo siempre porque es mi taller y también ha sido espacio de vida para mucha gente, con distintos enfoques, todos con la intención de continuar trabajando y creando. Es un espacio que ha permitido el desarrollo de propuestas muy variadas, desde talleres, proyecciones, foros, grupos de lectura y charlas. Hemos recibido a gentes con distintas inquietudes, propuestas y anhelos y tejido distintas relaciones, al día de hoy, muy cercanas. Ha sido plataforma para que varios creadores desarrollen proyectos en los que permitan al espectador aproximarse a la experiencia más íntima del trabajo: El taller de artista. También ha servido de puente de contacto entre distintas personas con inquietudes que van desde lo artístico, lo social, lo urbano; organizaciones e individuos, activistas y artivistas.

-Entonces, PapelArteFacto es un espacio para reincidir.

-Es la perfecta concresión de la finitud, al menos para mí.

-Y seguramente para muchos.

Yoshi, ¿qué proyectos desarrollas actualmente y qué lugar ocupan en el panorama cultural actual desde Papelartefacto?

En estos momentos estoy atendiendo mi individual en Spazio Zero, desarrollando obra para la próxima exposición con GBG Arts, a partir de una serie de piezas con un carácter más escultórico y realizando en paralelo unas investigaciones con luces y proyecciones, para nuevas propuestas instalativas. Así mismo, estamos empezando a aportar ideas en compañía de Marisa Mena de Editemos y Enrique Peña, junto a Lorena y Leonardo, para trasladar la muestra «Matrices y concreciones» a un proyecto editorial.

Con PapelArteFacto estamos en producción de una nueva temporada del proyecto #MasCercaDelArte que empezamos el año pasado, como un vistazo íntimo al quehacer de varios creadores durante la pandemia y que continuará ahora presentando una visión expandida, al incluir galeristas, curadores, museografos, investigadores y otros profesionales directamente involucrados en lo que permite materializar que lo que el espectador aprecia como arte, ocurra.

Como ves, separo mucho mis actividades de lo que es PapelArteFacto, porque desde hace tiempo decidimos que el taller no dependiera de mi para poder continuar como plataforma, soltarle la mano a la criatura para que pueda andar sola.

Unas palabras finales para los inquietos por la imagen, la belleza, el arte.

La vida cambia de un momento a otro. Aún en los momentos más felices encuentran un fin, aún en los momentos más oscuros se acaban. Si estás atravesando por un momento díficil, oscuro y/o doloroso y sientes que quieres darte por vencido, te entiendo. Solo te voy a pedir que sigas intentándolo, todavía un poco más. No te rindas. Ciertamente el dolor puede hacer que uno pierda las perspectivas, y después, aún durante estos momentos, todavía hay plenitud de experiencias que no has experimentado; alegrías cuyos sabores, olores y memorias no se han formado todavía, muchísima belleza y placeres que admirar y experimentar. La vida es una sola; este tiempo que nos ha tocado, en nuestro caso, es nuestra oportunidad para hacer de nuestras vidas algo más similar a lo que soñábamos en tiempos más inocentes y, la verdad, los sueños sí se pueden cumplir.

–Por algo la eternidad está enamorada de las formas del tiempo, según Blake, ¿no?

–He allí la gran posibilidad para seguir inténtándolo.

–Como creyentes.

–Así es.