Hay temores que no mueren con los cuerpos; se sedimentan en el fondo de las familias, se heredan en forma de susurros y terminan por convertirse en la arcilla con la que modelamos nuestra propia identidad. De eso va La Bola Negra, segunda película dirigida y escrita por Javier Calvo y Javier Ambrossi (Los Javis).
Partiendo de los personajes de la obra teatral La Piedra Oscura, del dramaturgo español Alberto Conejero y de las cuatro páginas de la pieza inconclusa de Federico García Lorca que da el título a la cinta; Los Javieres (así los llamaré desde ahora porque han alcanzado una madurez artística impresionante) logran estructurar un tríptico desarrollado en tres épocas distintas, creando un manifiesto sobre la tragedia de no aceptarse a sí mismo, el miedo a las consecuencias de atreverse a expresar el deseo y la incapacidad de comunicarnos incluso con aquellos que forman nuestro círculo familiar.
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La trama (sin spoilers) sigue la historia de tres hombres homosexuales:
Carlos, un chico de familia acomodada en la Granada de 1932, que empujado por su padre busca ser aceptado en el “casino”, el club social más importante del pueblo, donde realizan negocios los poderosos; pero en la votación es rechazado por su orientación sexual al sacar la bola negra (ya que el ingreso de nuevos socios se decidía a través de un sistema de votos con bolas blancas y negras).
Sebastián, un joven trompetista que sueña con abandonar su pueblo y unirse a una orquesta para tocar en los grandes teatros de Madrid al que las circunstancias terminan poniéndole un fusil en la mano para servir con los franquistas durante la Guerra Civil Española (1937) y se le ordena custodiar a un herido del bando republicano.
LA BOLA NEGRA Official Trailer (2026) Penélope Cruz
Por último, está la historia de Alberto, un historiador y escritor teatral (evidente guiño que Los Javieres le hacen al propio Conejero) que en 2017 arrastra su frustración por haber dejado de escribir a la vez que lidia con la tóxica relación que sostiene con su madre. Sin embargo, su perspectiva de la vida cambia cuando recibe la herencia de su abuelo materno al que creía ya fallecido.
Un trío de historias que aparentemente no tienen nada en común, más allá de la forma de sentir de sus protagonistas. Sin embargo, el trabajo de fina relojería que Calvo y Ambrossi desarrollaron al ensamblar estos tres argumentos, ha dado como resultado un fenómeno sin precedentes para el cine Español y que ya está alcanzando el reconocimiento internacional: Mejor Dirección - Festival de Cannes 2026, Mejor Película (premio del público) Festival de San Sebastián, Premio del Público Festival de Sidney 2026, y Mejor Película (premio del público) – TIFF 2026 (vale acotar que la gran mayoría de las películas que han ganado este premio en el festival de Toronto han terminado consiguiendo nominaciones a los Premios Oscar, especialmente en la categoría de mejor Película).
Además, durante sus dos primeras semanas en cines la película lleva acumulado más de 34 millones de euros, convirtiéndola hasta el momento en la cuarta película más taquillera de todos los tiempos en el cine español.
Ahora bien, más allá de premios y cifras, hablemos de la calidad cinematográfica de La Bola Negra. En primer lugar, hay que hablar del guión escrito a seis manos entre Los Javieres y el propio Conejero. Tanto Calvo como Ambrossi se alejan de la ironía pop de sus inicios, aunque eventualmente dejen derramar un poco de ese humor cáustico que los caracteriza (como el parlamento que suelta el personaje de Goyita en medio de un momento de gran dramatismo, emulando una recordada frase del filme Titanic).
La estructura en la que está diseñado el guión y luego llevado a la pantalla con base a las tres líneas temporales, me hizo recordar a la película de Stephen Daldry, The Hours (Las Horas), sin embargo, aquí estamos ante una obra que alcanza picos mucho más épicos tanto en forma como en fondo.
Por un lado, tenemos una película que habla sobre la Guerra Civil Española (1936-1939) pero sin ser una cinta típicamente belicista sino centrándose en la humanidad y conflictos internos de sus personajes.
Por otra parte, sin tratarse de una cinta biográfica, está Federico García Lorca con toda su poesía, su forma de ver la vida, su “duende”, incluso los directores se tomaron la licencia de que “Federico” aparezca en una de las escenas más hermosas del film. A lo largo de las dos horas y media de su duración está presente la pluma, los dibujos y la simbología lorquiana desde el caballo negro desbocado, las referencias a San Sebastián y específicamente a las flechas, los marineros (con evidentes referencias a las pinturas de Yannis Tsarouchis), hasta “llegar a la nieve”.
El universo lorquiano en La Bola Negra funciona como un hilo conductor invisible pero indestructible haciendo que el rechazo de los años treinta siga latiendo con idéntica urgencia y dolor, en la incomunicación de las familias del siglo XXI. Es un guión que huele a tierra húmeda, a pólvora y a teatro clásico, pero que respira con el pulso vibrante del drama moderno.
Luego tenemos la parte técnica, cuidada y pensada para regalarle al espectador una auténtica experiencia cinematográfica. La musicalización, realizada por Raül Refree (quien ya trabajó con Los Javieres en La Mesías, se convierte en un viaje que nos lleva a recorrer las emociones propias de cada personaje a la vez que enfatiza el clímax de las escenas con tal contundencia que nos hace evocar a grandes bandas sonoras de la historia.
Se trata de una partitura que duele. Entre texturas electrónicas sutiles, el murmullo de una guitarra y ecos de un folclore despojado de artificios, la música actúa como una corriente subterránea. No busca manipular la lágrima, sino invocar aquello que los personajes intentan callar, convirtiendo cada acorde en un recordatorio de que los muertos solo mueren cuando los olvidamos, para finalmente desembocar en esa canción, compuesta e interpretada por Guitarricadelafuente que atraviesa las tres historias con “las turbias palabras” que el tiempo silenció y que se aferran al corazón del espectador en uno de los momentos culminantes del film.
Qué decir de la magistral fotografía a cargo de Gris Jordana. La película posee tres almas visuales perfectamente delimitadas: los tonos ocres, secos y polvorientos de una burguesía que se ahoga en su propia rigidez; los claroscuros violentos de una guerra que desangra los campos; y la textura fría, casi clínica pero luminosa, de una España contemporánea que intenta sanar.
Cada plano es un cuadro vivo, una composición pictórica donde la luz es también un personaje que abraza o castiga, en ese sentido Jordana presenta un incontable número de fotogramas que se nos quedan grabados en la retina como el momento en que Sebastián trepa por la estatua destruida de su tocayo San Sebastián, cuando ambos rostros se topan intuyendo esos besos que quedaron “guardados en un camafeo”, o el plano secuencia de Carlos cuando se deja desbordar por la fuerza indetenible del cante jondo o el encuadre de Alberto y su madre agotados de tanta discusión y entendiendo que ya no pueden seguir así.
El arte que desborda esta directora está a la altura de lo que demanda el duende lorquiano para una historia tan ambiciosa como esta, dejándonos subyugados y preguntándonos “¿quién nos defenderá de tu belleza?”.
Hablemos ahora de las actuaciones. Estamos ante un elenco imposible compuesto por grandes luminarias de Hollywood, primeras figuras del cine español y jóvenes que por primera vez se enfrentaban a ese arte de actuar. Son muchas las producciones que se arriesgan con un casting así, pero pocas consiguen salvar el abismo de los desniveles y he aquí el mérito de Los Javieres y su talento incontestable a la hora de dirigir actores, logrando que un reparto tan heterogéneo palpite al unísono, convirtiendo las capacidades individuales en un compromiso compartido.
Para dos de los protagonistas esta fue su primera vez construyendo un personaje. Por ejemplo, Milo Quifes (quien da vida a Carlos), se presentó al casting buscando obtener alguna aparición como extra, solo por vivir la experiencia de salir en una película y terminó no solo como uno de los protagonistas, sino que realiza una interpretación profunda, introspectiva pero cargada de fuerza y honestidad, sin duda a partir de este momento no podrá volver a sentir que “las horas no le han pertenecido”.
Álvaro Lafuente Calvo, mejor conocido como Guitarricadelafuente es un cantautor español que si bien ya estaba vinculado al arte a través de la música, tampoco había actuado y menos pensado que terminaría llevando sobre sus hombros la mayor parte del peso de la película. Lo que ha hecho con su Sebastián es simplemente hermoso. A través de sus silencios logra expresar un universo entero de horrores y sentimientos reprimidos, pero a la vez con su mirada consigue transmitir toda la dulzura, ingenuidad y vulnerabilidad del mundo.
Luego tenemos a Miguel Bernardeu, recordado por su papel de Guzmán en la serie Élite, interpretando a Rafael Rodríguez Rapún, uno de los últimos amores de Lorca y el “enemigo” al que Sebastián debe cuidar. Con una fuerza interpretativa suprema, hace aflorar en su Rafael una dignidad trágica inconmensurable.
Su interpretación lo aleja de los roles de jovencitos estereotipados para demostrar un registro actoral superior revistiendo a su personaje de una fuerza conmovedora que carga con todo el peso devastador de la resistencia intelectual y el amor truncado.
Ya cerrando este grupo protagónico está Carlos González, quien ha participado en diversas series y proyectos televisivos. Fue el encargado de interpretar a Alberto, ese puente hacia nuestro presente, el ancla realista que canaliza la urgencia de entender el pasado para poder, por fin, mirar a los ojos al futuro. González dota a su personaje de una naturalidad contundente, amén de medirse con dos actrices de la talla de Lola Dueñas y la extraordinaria Glenn Close.
Y ya que mencionamos a Lola Dueñas, quiero resaltar su magnífica interpretación como Teresa, una madre amargada por los silencios y culpas que le heredaron sus padres y que ahora repite el patrón de forma más violenta con su hijo Alberto. Dueñas es sencillamente una fuerza de la naturaleza que se roba la pantalla cada vez que aparece en escena.
Por su parte la mítica Glen Close interpreta a Isabelle Durand, una historiadora experta en la vida y obra de Lorca a la que Alberto aborda durante una conferencia para mostrarle la herencia que ha recibido de su abuelo y que de alguna forma le aconseje qué hacer con ella. La breve participación de Close dota al filme de una elegancia sobria y un misterio universal que rompe cualquier frontera geográfica, a fin de cuentas “solo el misterio nos hace vivir”.
Y cuando pensábamos que ya todo estaba alcanzado, llega Penélope Cruz y en dos escenas nos regala una de las mejores interpretaciones de la película y de su carrera. Cruz encarna a una cupletista llamada Nené Romero.
Durante sus shows entretiene a los soldados y si hay algún “gandul” que le llame la atención también lo entretiene en su habitación. Penélope hace una aparición estelar que trasciende lo interpretativo para convertirse en puro mito cinematográfico. Su magnetismo aporta el peso de la gran tragedia ibérica cuando nos suelta: “El travestismo es la fantasía de la posibilidad y la guerra todo lo contrario”. And the Oscar goes to…
No quiero dejar de mencionar a otros miembros del elenco que, aunque breves, logran actuaciones importantes como: Antonio de la Torre (padre de Carlos), María Morales (madre de Carlos), Natalia de Molina (hermana de Carlos), Alberto Cortés (Federico García Lorca), Lorenzo Zurzolo (Riccardo), Yenesi (Goyita) y Mona Martínez (Anciana/La Nieve).
No quiero dejar de mencionar a otros miembros del elenco que, aunque breves, logran actuaciones importantes como: Antonio de la Torre (padre de Carlos), María Morales (madre de Carlos), Natalia de Molina (hermana de Carlos), Alberto Cortés (Federico García Lorca), Lorenzo Zurzolo (Riccardo), Yenesi (Goyita) y Mona Martínez (Anciana/La Nieve).
En tiempos donde la polarización política y social del mundo parece radicalizarse cada día más y monstruos del pasado que creíamos muertos comienzan una inquietante y peligrosa resurrección, La Bola Negra no es solo una película; es un espejo oscuro y bellísimo donde la España de hoy (y un buen número de países también) por fin se atreve a mirarse sin miedo a lo que encuentre.
Los Javieres, han hecho que el cine vuelva a ser cine. Desde cada uno de los posters promocionales con esas manchas rosadas que reivindican un color que fue utilizado para humillar y discriminar a los homosexuales por los nazis; hasta ese ocaso donde finalmente Sebastián entiende cómo puede dormir el amor en el pecho del poeta, La Bola Negra es un triunfo del arte sobre el olvido, un testamento visual que nos susurra, con la urgencia de los clásicos, que ninguna identidad puede ser borrada por decreto, y que bajo las ruinas del silencio, lo único que verdaderamente sobrevive es el deseo de ser libres.
“Y que se enteren los señores”.
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