La Sala Oberta del Centre Cultural La Nau (Universitat de València), presenta Escrituras fragmentarias. Gesto y memoria, un proyecto expositivo de la artista visual Rossi Aguilar (1993) que se despliega como una indagación poética y crítica sobre los modos en que la memoria, la corporalidad y el gesto pictórico configuran nuevas rutas de conocimiento.
“Escrituras fragmentarias. Gesto y memoria”, Rossi Aguilar en La Nau, Universitat de València
- Tejedora. Óleo y spray sobre lienzo, 80 cm x 60 cm. 2026. (Créditos: Miguel Lorenzo)
- Explosión. Óleo y ceras sobre lienzo, 130 cm x 89 cm. 2026. (Créditos: Miguel Lorenzo)
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Una poética del gesto como pensamiento
La pintura de Aguilar emerge de una premisa esencial: el pensamiento no solo se articula con palabras, sino también con movimientos, insistencias y tensiones corporales. Su obra, vinculada a la abstracción y a la expresividad gestual, transforma impulsos íntimos en arquitecturas visuales donde el cuerpo opera como campo de fricción entre la libertad creativa y los límites impuestos por estructuras históricas. En este marco, la figuración aparece como signo de contención, mientras que el gesto pictórico se erige como un acto emancipador.
La pieza La Pensadora, que inaugura el recorrido, activa un diálogo crítico con la tradición escultórica de Rodin.
- Exposición en la Sala Oberta Centro Cultural La Nau. (Créditos: Eduardo Alapont)
Allí donde el canon consagró una imagen masculina de la universalidad intelectual, Aguilar se pregunta por los lugares relegados que han ocupado las artistas y pensadoras a lo largo del tiempo. Su obra interpela ese vacío y lo convierte en motor de la exposición: una invitación a rescatar voces ocultas, relatos fragmentados y archivos silenciosos.
Fragmentación como método y relato
En Escrituras fragmentarias. Gesto y memoria, la artista concibe la superficie pictórica como un espacio de sedimentación. Lejos de entender la fragmentación como pérdida, la convierte en una gramática de interconexión, donde cada trazo funciona como vestigio, como estrato que revela lo que la linealidad histórica suele omitir. Frente a la imagen contemporánea —a menudo digital, anónima y repetitiva—, la pintura reintroduce la latencia del cuerpo, su irregularidad y su condición de experiencia viva.
Cada obra se presenta como un archivo en tránsito: capas que se acumulan, se transforman y se leen como palimpsestos donde conviven memorias personales, resonancias colectivas y referencias a la genealogía de mujeres artistas cuya presencia en la historia del arte ha sido interrumpida o invisibilizada. La materia y el color operan aquí no como ornamento, sino como escritura.
Cuerpo, archivo y responsabilidad poética
- Exposición en la Sala Oberta Centro Cultural La Nau. (Créditos: Eduardo Alapont)
La artista concibe el cuerpo como un agente activo dentro de su imaginario visual: a veces apenas una sombra de movimiento, otras una huella que desborda el soporte. Sus gestos —antes impulsivos, ahora más decantados— se han convertido en un abecedario caligráfico que atraviesa todas las piezas, un sistema propio de signos que habla tanto de su intimidad como de un deseo ampliado de diálogo colectivo. Aguilar reconoce en esta etapa la presencia de otras mujeres en su memoria: abuelas, compañeras, figuras históricas silenciadas. De ahí surge una ética de responsabilidad hacia lo compartido y hacia lo que la historia ha omitido.
Aguilar, también concibe sus obras como fragmentos de un continuo: el soporte fija un momento, pero la narrativa permanece en expansión. Elige los materiales con rigor investigativo —lienzo, papel, madera— configurando superficies que, como cuadernos o tablillas, preservan la textura de lo inacabado.
La materia pictórica, aplicada en capas y tensiones, adquiere un carácter simbólico: fragilidad, resistencia, revelación.
Un proyecto con raíz en la investigación
La exposición establece un fecundo diálogo con el proyecto ArthistFEM-2, liderado por Mariángeles Pérez-Martín y desarrollado junto a Clara Solbes Borja, Javier Martínez Fernández, Natalia Polo Chocano y Mar Lloret Estrada, con el respaldo financiero de la Generalitat Valenciana (CIGE2024-085). Esta iniciativa se aboca a investigar y documentar el papel fundamental de las mujeres en la configuración de la historia del arte en España, propiciando revisiones críticas sobre los mecanismos de construcción del relato historiográfico.
El proyecto expositivo se enmarca, además, en la II Convocatoria del programa Residir en la Investigación, promovida por el Vicerectorat de Cultura i Societat de la Universitat de València, y se articula en sintonía con Arte, historiografía y feminismos (ArthistFEM-2), una línea de análisis que busca visibilizar y reivindicar las contribuciones de las mujeres en la genealogía historiográfica del arte español.
Este contexto universitario convierte a la muestra en un espacio idóneo para el encuentro entre investigación, crítica y creación. Aguilar entiende que su obra, una vez fuera del estudio, entra en diálogo con interpretaciones múltiples: desde la mirada académica hasta la del visitante que se encuentra con el gesto pictórico por primera vez.
- Energy transfer. Óleo y spray sobre lienzo, 100 cm x 81 cm. 2025. (Créditos: Miguel Lorenzo)
- Gest. Óleo sobre lienzo, 55 cm x 45 cm. 2025. (Créditos: Miguel Lorenzo)
- Nana. Óleo y spray sobre lienzo, 195 cm x 130 cm. 2025. (Créditos: Miguel Lorenzo)
Una invitación a leer la historia desde sus bordes
Escrituras fragmentarias. Gesto y memoria propone reconsiderar la fragmentación no como ruptura, sino como posibilidad; no como herida, sino como relectura. Rossi Aguilar abraza la incomodidad como motor discursivo, desestabilizando lo estético para activar nuevas conversaciones. Su gesto pictórico, casi performático, encarna la potencia de la pintura como forma de pensamiento y como herramienta para cuestionar las jerarquías del relato artístico.
Sobre la artista Rossi Aguilar (Venezuela, 1993) @rossiaguilar_
- En el taller de Rossi Aguilar en Valencia. (Créditos: Miguel Lorenzo)
Artista plástica e investigadora con una sólida trayectoria internacional. Formada en Estudios Artísticos en la Universidad de Aberta de Lisboa y en el Maryland Institute College of Art (MICA) de Estados Unidos, obtuvo el doctorado en Arte con mención Cum Laude por la Universitat Politécnica de València. Ha sido reconocida con el Premio Cátedra Planeta ODS 14 (2023) y seleccionada en la Bienal de Mislata (2021), Bienal de València (2023) y Mostra Art Públic (2021 y 2025).
Con ocho exposiciones individuales, destaca Thinkin’ Out Loud (Madrid, 2024), donde exploró el residuo como símbolo de lo inacabado. Ha realizado residencias en Factory of Dreams, estudio de Okuda San Miguel, gracias a la beca IAM WITH YOU. Colabora con instituciones como Fundación ONCE, CSIC, Politécnico di Milano y Universitat de València, además de publicar en editoriales especializadas y participar activamente en proyectos de I+D.
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