Carmen Mondragón, la artista fatídica que seguramente no conoces

Para bien o para mal, la artista es símbolo de un tipo de percepción muy concreta sobre el patrimonio artístico del país y quizás ese es un punto clave para entender su importancia.

No obstante, el siglo XX jamás reconoció el valor real de la propuesta de Carmen Mondragón. Su espléndida reconstrucción sobre la identidad femenina y sobre todo, su búsqueda de interpretación sobre la soledad, el desarraigo y los terrores espirituales no solo pasa desapercibida al momento de analizar el mundo artístico latinoamericano, sino que parece carecer de la necesaria importancia dentro del análisis de la figura de la mujer que crea. De hecho, desde el origen de su curioso seudónimo (inventado por el pintor Gerardo Murillo, conocido como Dr. Atl, que bautizó a Mondragón en un símbolo de renacimiento inmediato) hasta la noción sobre su comprensión sobre el yo escindido y el poder emocional, la visión de Nahui Olin parece limitada a quienes le conocieron y le amaron. Más allá, su historia se funde con el mito a su alrededor y la percepción sobre su notoria necesidad de reivindicación. Olin pasó toda su vida en una búsqueda de significado que jamás acabó y ese trayecto emocional, se expresa y se construye a través de una obra prolífica, inquietante y poderosa.

Nahui Olin nació en 1893 en Tacubaya, ciudad de México y era hija de un importante general cercano a la figura de Porfirio Díaz, lo que le permitió disfrutar de una posición económica y social privilegiada durante buena parte de su infancia. Fue una niña con un temprano temperamento artístico que solía “soñar con extraños rostros flotantes de belleza pesarosa” y que pasó buena parte de su infancia en Europa, gracias a las buenas relaciones de su padre con el Gobierno Galo. De hecho, la jovencísima Carmen se educó hasta los doce años en París y siempre recordó la época como “una milagrosa mirada a un mundo imposible”. Parte de ese brillo intelectual y espiritual les brindó a sus futuras obras una percepción sobre la realidad que aún asombra por su despiadada belleza. Hay algo vivo, crudo pero sobre todo visceral en la noción sobre la vanidad y la percepción del yo en la obra Olin, que se manifiesta a través de una serie de símbolos intrincados sobre todo en su producción poética. La pintora analizó el mundo a su alrededor, a sí misma, pero sobre todo, los complejos procesos mentales a través de un discurso en apariencia inocente, pero a la vez sostenido desde cierta percepción del absurdo que dota a su obra de una densa profundidad. Para Olin, el mundo es la suma de su percepción sobre el bien y el mal, el poder femenino y un elemento ingenuo, difícil de definir pero profundamente arraigado en todo su universo creativo.

La pasión, el amor y la necesidad de reivindicación fueron el impulso constante en la vida de Olin. Más allá de eso, la pintora y poeta estaba obsesionada con lo que llamaba “la transmigración del ser” y que analizaba desde la concepción del poder emocional como motor exclusivo de toda creación artística. Pero también su vida personal, era un reflejo directo y persistente sobre la comprensión del tiempo íntimo y su opinión sobre lo estético. A los 19 años contrajo matrimonio con el pintor Manuel Rodríguez Lozano, miembro insigne del movimiento artístico denominado Los Contemporáneos. Para Olin, se trató del descubrimiento de toda una nueva dimensión del arte, la belleza y la propuesta pictórica que siempre había formado parte de su vida. Se sumergió de lleno en todo tipo de actividades artísticas, pero también, comenzó a analizar una versión de la realidad traducida a través de la pintura y la poesía. Su amistad con el muralista Diego Rivera la convirtió en una presencia constante en sus cuadros y alegorías. En uno de sus murales encarnó a la diosa de la poesía erótica y en el que se encuentra en el Palacio Nacional aparece como el símbolo de la burguesía: El rostro de Olin parece flotar en medio de la figura de una mujer de alta sociedad ataviada con ropas lujosas y exquisitas. También fue modelo para Roberto Montenegro, Rosario Cabrera y para el fotógrafo californiano Edward Weston, que la llamó “la belleza incómoda” por sus penetrantes y misteriosos ojos verdes.

Fue una relación volcánica, profundamente física, pero también, un intercambio artístico del que Olin saldría fortalecida, deslumbrada por el poder del arte y convencida que necesitaba encontrar su propio lugar dentro del ámbito creativo. En 1922, la pintura y poeta adopta el nombre de Nahui Olin, dejando atrás todas sus raíces familiares, abolengo e influencia. Como si se tratara de un reflejo de lo que ocurría en su vida personal, en el mismo año su padre moría desterrado en San Sebastián. Carmen Mondragón había muerto y Nahui Olin empezaba su largo recorrido por el mundo artístico, la concepción poética y la búsqueda de identidad.

La vida de Olin siempre fue una mirada hacia los extremos, lo extraordinario y lo desmesurado. Separada del Doctor Atl, partió a Hollywood con quien se convertiría en su nueva pareja, el pintor y caricaturista Matías Santoyo. En norteamérica, Olin encontró en la fotografía una nueva forma de expresión y aunque jamás tomó una fotografía — aunque insistió en que la “cámara era un lugar para crear distinto a cualquier otro. Una nueva dimensión” — se fotografió desnuda a la manera de sus cuadros. En 1927 todo México se asombró con las imágenes de Olin, posando entre la belleza y el desafío en una serie de imágenes del fotógrafo Antonio Garduño. Olin se mostró en toda su misteriosa noción sobre el poder del cuerpo femenino y levantó una larga polémica en un México provinciano y conservador. Años después, su figura seguiría asociada al escándalo pero sobre todo, a la reivindicación de la mujer como individuo frente a la percepción de la tradición y el machismo tradicional del país.

El escritor Andrés Henestrosa — que fue uno de sus amigos más cercanos — solía decir que Olin bullía en inconformidad y una profunda angustia existencial que expresaba a través de sus pinturas. No obstante, también era un espíritu indomable, curioso y trasgresor que creaba para evitar el tedio intelectual. Entre ambas cosas, su obra tenía un peso y una personalidad muy específica “Nahui era de esas personas, como Frida, que se desconocen, que no se encuentran, que no saben quiénes son, que se fotografían y autorretratan para verse a sí mismas” diría años después, asombrado por el poder evocador de los autorretratos de Olin.

Durante las últimas décadas de su vida, vivió en la vieja casa que heredó de sus padres, rodeada de docenas de gatos y sin más compañía que la visita ocasional de alguno de sus alumnos de la escuela en la que impartía clases de arte. 

Poco a poco, fue convirtiéndose en un fantasma de sus recuerdos, en una figura harapienta y obsesionada con sus dolores y viejas tragedias. Una semana antes de morir, escribió que era la “dueña del sol. Cada mañana lo hago salir con la mirada y lo devuelvo al ocaso”. Una postrera despedida del mundo que amaba, le intrigaba y que siempre le sorprendió. El 23 de enero de 1978, pidió a sus sobrinas que le trasladaran a la habitación donde había nacido. Cantó durante toda la noche y antes del amanecer, murió. Olvidada por todos, pero aferrada para siempre a la furiosa identidad que aún ahora, en medio del redescubrimiento de su obra, le sobrevive y le identifica. Una nueva mirada sobre el poder para crear.

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